USCHI BURGER-PRECHT
Fotografía es ver con atención todo que está en mi entorno y conectar lo percibido con mis experiencias de haber vivido y/o estar viviendo.
Photography for me is the pleasure of being and seeing.
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LAURA TORRES
HEREDITATEM
El proyecto hereditatem persigue la idea de generar vínculos a priori no manifiestos a partir de la yuxtaposición de imágenes, ampliado con esto los planos de lectura o creando interferencias en su interpretación. Las fotografías están vinculadas al imaginario mítico/simbólico (en su concepción más amplia), tratando de conectar pasado y presente para originar con esto una reflexión alrededor de la herencia y al sistema de transmisión de creencias como elementos condicionantes en la relación actual entre el ser humano y el mundo.
AINA LOSANGE
GENDER
Por Aina Losange,
con la colaboración de Daniel Since y Beng Kui
NECESIDAD SOCIAL; IGUALDAD DE GÉNERO
Tanto el video-arte como la fotografía, parten del proyecto final de carrera de la diseñadora Aina Losange, que tiene como idea principal trasladar al mundo a un lugar donde el género y la orientación sexual suman, en lugar de restar.
El sistema actual, exige ciertos estereotipos sobre prendas y colores. Este proyecto se presenta como una crítica a esa obligación de etiquetar o hacer distinción por género, alejándonos así de lo más importante y puro del CONCEPTO MODA: LIBERTAD DE EXPRESIÓN.
Sacando jugo a los estereotipos, estos se reencarnan en cada uno de sus ámbitos, en Gender, lo más importante, es reflejar moda de forma andrógina, creando un contexto de prendas masculinas y femeninas que se difuminan en su frontera. Sín pretensiones de disfrazar el sexo de cada cual, ni renunciar a la feminidad o la masculinidad, sino jugar con la ambigüedad.
En definitiva, Gender nace para presentar un concepto de moda, puramente asexual.
Aunque esta TENDENCIA está presente desde que Coco Chanel rompió con la estricta indumentaria femenina, cabe destacar que no es un tema que se trate con normalidad fuera del ámbito pasarela, así que la búsqueda inicial se centra en una palabra muy conocida y algo inquietante; Andrógino.
La palabra andrógino, actualmente, como vocablo científico, designa a un varón humano, genéticamente varón, que por un defecto de secreciones hormonales u otras causas en su desarrollo, ha generado órganos sexuales externos de carácter ambiguo o de apariencia femenina. Vulgarmente, se emplea el vocablo para designar a un varón de aspecto afeminado, o un ser humano de aspecto absolutamente ambiguo en su determinación sexual externa.
Sin embargo, el andrógino, un viejo símbolo cultural, no es en origen ninguna de las dos cosas, ni en griego clásico significaba eso. EL MITO.
El mito del andrógino, probablemente recogido de tradiciones más antiguas e incluso de algunas culturas orientales, que tienen que ver con el yin y el yan y otras tradiciones de seres únicos originarios, aparece en Platón. En el conocido y extenso diálogo platónico, llamado “El Banquete” o Simplemente “Symposion”, que versa sobre la naturaleza del amor y donde distintos personajes dialogan y elaboran cada cual un discurso, que explica a su juicio la naturaleza del erotismo.
La intervención de Aristófanes contiene el mito de andrógino, la base de GENDER.
Este mito platónico nos muestra una vez más la apertura intelectual y espiritual de los griegos del siglo V antes de Cristo, respecto a la homosexualidad y la bisexualidad.
Existe al respecto una tradición primordial que se encuentra en los relatos mitológicos, que ha sido sepultada, tanto por el paso del tiempo, como por el paso del mito al logos que produjeron los filósofos jónicos, además del cristianismo, con su visión restringida de la sexualidad.
En los ultimos años un marcado tinte anticristiano, se hace oír a través de la denominada “cuestión del género”.
Género, es la palabra que define este proyecto, ya que además de referirse a la división de la humanidad en dos sexos, el masculino y el femenino, tras esta palabra se esconde una ideología que busca salir de esta estructura bipolar del ser humano.
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En GENDER VÍDEO, se unen Aina Losange, estilista y diseñadora, especializada en fotografía de moda, tocando todos sus campos desde 2006, Daniel Since fotografo, productor audiovisual y creador de VFX y Beng Kui músico, productor y compositor.
Presentan EL AMOR de forma conceptual, resaltando la belleza natural del cuerpo humano, adentrándose con sutilidad en el sexo libre mediante el movimiento corporal.
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ARTISTAS
Aina Losange, estilista, maquilladora, fotógrafa y terminando sus estudios como diseñadora de moda propone este proyecto de video-arte y fotografía, basado en su proyecto final de carrera a Beng Kui, o dicho de otra forma, el proyecto musical de Dominik Gelada, que es un computo de las facetas que le caracterizan como: músico, productor y compositor; un todo en uno influenciado por música tan variopinta que solo se puede entender escuchando sus canciones. Con la ayuda de Daniel Since fotógrafo, productor audiovisual, creador de VFX, influencer, youtuber e instagramer, presentan esta obra como una unión de sus conocimientos y habilidades.
Aina Losange
ainalosange.tumblr.com
www.facebook.com/lobonito.ainalosange
www.instagram.com/ainalosange_photography/
Beng Kui
bengkui.bandcamp.com
Daniel Since
www.instagram.com/danielsince/
www.youtube.com/user/Sakuuubill
PEPesART
“Mirar, observar, examinar, apreciar, contemplar, presenciar, reflexionar, pensar… imaginar.”
Este artista Pepe Sart (Jávea) alterna diferentes soportes y lenguajes creando obras en continuo desarrollo y mutación. En su obra busca la articipación del espectador como elemento existencial. Así se funden fotografías, collages y pintura para activar y provocar reacciones en el ser humano y explorar los límites del espacio expositivo como guía experimental de nuevas formas de comunicación.
Actualmente estudia Bellas Artes en la Universidad Miguel Hernández de Altea.
De forma paralela, en su faceta artística, sigue investigando y experimentando en distintas disciplinas como la pintura, el collage, el grabado, el dibujo y la escultura en relación con el arte conceptual. Intenta activar y provocar reacciones en el ser humano y explorar los limites del espacio expositivo como guía experimental de nuevas formas de expresión en el arte. Alterna diferentes soportes y lenguajes creando obras en continua mutación y evolución, buscando la participación del espectador como elemento diferenciador.
Vea la obra de este autor e intente dar vida a las imágenes. La vida que usted quiera.
MAR GUERRERO
Palma de Mallorca
Me interesa el terreno de tensión simbólica entre el ámbito artístico, laboral y educativo. Investigo acerca de procesos de no‐producción vinculados a la práctica artística, y sobre la idea de error y fracaso en relación a conceptos de rentabilidad, positividad y alto rendimiento dominantes en nuestra sociedad. Desarrollando estrategias de resistencia desde lo inútil o insignificante en el ámbito de lo cotidiano, doy importancia al soporte, la materia y la tergiversación de signos, utilizando recursos como los de ocultación, anulación y desaparición.
En Donde nada lleva a nada se desarrolla una investigación práctica y teórica acerca de un concepto procedente de la cultura oriental, el wabi‐sabi, visión del mundo intuitiva y que se sitúa en el presente, poniéndolo en tensión con conceptos que mantienen una lógica instrumental que se proyecta al futuro, confrontando ideas occidentales y orientales a partir de una significación de lo insignificante. A través de las imágenes recopiladas y su posterior transformación y puesta en escena, se pretende hacer hincapié en una cuestión temporal y experiencial, manteniendo conexiones entre la historia del arte, la filosofía y la literatura, utilizando el agua como materia y elemento transitorio generador de pensamiento.
VALERIA CASTELLET
«Ingredientes para un paisaje”
Técnica: Fotografía.
Medidas: 30 fotografías, de 10 x 15 cm c/u, en 1,5 x 2 metros.(aprox.)
Año de realización: 2015.
Mi trabajo artístico habitualmente se cierne, se enriquece y toma elementos de la naturaleza y el paisaje considerando al ser humano como parte de ellos y no como simple observador. Ingredientes para un paisaje forma parte de las series: paisajes fragmentados, (2015), en ella, como en mi trabajo anterior flores descontexturadas, cuestiono la manera de acercarnos e intentar entender la naturaleza.
En ingredientes para un paisaje busco, selecciono, elijo y fotografío elementos del paisaje silvestre, los aíslo y recombino simulando el trabajo que realiza un biólogo molecular, pretendiendo crear un paisaje inventado, reuniendo formas escondidas en semillas, ramas, flores, pequeños y cercanos, cuyo resultado inevitablemente, no es igual al paisaje que lo generó, es decir, la suma de los mínimos elementos que lo conforman no producen una imagen real del mismo. Como un paisaje de laboratorio que no deja de ser bello pero no es real, pasa a ser la quimera de un paisaje. Como la quimera de un hombre reconstituido a través de la aislación y recombinación de sus genes o la ilusión del conocimiento real o profundo de una planta o animal al separar y nombrar sus partes…
AITOR GONZÁLEZ
Valencia
La obra de Aitor Gonzalez (Valencia 1994) parte de objetos o materiales manufacturados y fácilmente reconocibles. En sus piezas, el artista juega a deconstruir su significado en un intento desesperado de comprender su condición como productor cultural. Mediante un acto puramente egoísta, el artista realiza un movimiento performativo de transformación del objeto.
Las piezas, al insertarse en el contexto de una exposición, tienen la oportunidad de abstraerse del ciclo producción- consumo que los creó para situarse en un punto intermedio entre la mercancía y la producción cultural, un “no man’s land” entre la precariedad del supermercado y la estabilidad del museo, entre su materialidad perecedera y la inmutabilidad que reviste su recién otorgada condición de signo cultural. En este sentido, la obra de Aitor sitúa al visitante en la incomodidad de la superficie. El espectador solo puede conocer el sedimento cultural que han dejado los objetos, la tensión entre las obras y la sala de exposiciones desgarra el sentido, que pasa a ser una brecha abierta a lecturas e interpretaciones, completar el hueco es dialogar con la obra.
Para el artista, el espacio expositivo se plantea como el lugar donde se da el tránsito de un polo a otro de la dualidad: de la vida al arte, de lo material a lo informe, del objeto al concepto. El artista se interroga sobre su rol (ideo)lógico con respecto a las dicotomías, que bascula entre la tentación de perpetuarlas y el deber de subvertirlas.
Aitor Gonzalez vive y trabaja en Valencia. Realiza sus estudios en la Facultad de Bellas Artes San Carlos de Valencia y en la Leeds University de Leeds (Reino Unido). Su obra ha podido verse en exposiciones como On To The Next en el espacio Royal Standard de Liverpool (2016), Sell Out en la galería Set The Controls For The Heart Of The Sun deLeeds(2016), Institution/Outstitution en la Galería The International 3 de Manchester (2015), Twice as nice #1 en EnjoySpace de Leeds (2015), How We Quit The Forest en la sala Lametro de Valencia (2015) o Migraciones en el espacioCincuenta y Pico de Madrid (2016) .
www.aitorgonzalez.es
MARINA RIBOT
Mi universo artístico y vital mantiene unos vínculos muy estrechos con la exploración del cuerpo dentro de la estructura paternal y la búsqueda de la identidad femenina. El método de trabajo utilizado está influenciado por las corrientes surrealistas y la vanguardia feminista, se basa en el automatismo y la manipulación de las imágenes.
Excedidas es un proyecto fotográfico de análisis social que trata los excesos sufridos por la mujer en los diferentes roles sociales y/o profesionales que ocupa. A partir del autorretrato, utilizado como en tabula rasa, se crean diferentes personajes en los cuales se exterioriza su condición a partir de las deformaciones físicas de nuestro rostro, creando un universo que toca la ironía. Se trata de un proceso documental construido a partir de una investigación relacionada con cada uno de los personajes pero que, en su conjunto, reúnen una problemática común.
Link a la web de la artista
http://marinaribot.wix.com/marinaribot
ROIGLLASERA
About
Después de años dedicados a la post-producción digital y a la docencia Joan Roig y Maite Llasera deciden emprender un proyecto creativo en común. Por complejas que puedan parecer, el 90% de las cosas que suceden en la vida son simples y cotidianas. Toda historia, grande o pequeña, está hecha de cotidianidad. Esa es la compleja sencillez que constituye las imágenes que Joan y Maite nos muestran.
War Lake
Históricamente los fotógrafos han ido en busca de todo aquello que resultara exótico. Tal vez porque nosotros no somos un fotógrafo, sino un equipo de trabajo, hemos querido representar precisamente esa normalidad en lugares que a priori no parecen tan normales. Junto con la imagen fija utilizamos el video. El uso de la imagen en movimiento nos permite enfatizar la idea de normalidad, que al final se resume en la sencillez de lo cotidiano.
“War Lake” surge como resultado de un viaje por una antigua república soviética, en búsqueda de esos momentos que por ser tan cotidianos y sencillos contienen en si mismos la esencia de la vida de aquellos o aquello que aparece en las fotografías.
Todas las fotografías que conforman la serie “War Lake” se han realizado en lugares públicos, lo que nos ha permitido trazar una relación personal con los fotografiados. Nos interesa la idea de imagen pública porque es en el espacio público donde las diferencias entre sujetos son menores.
SALVADOR LLINÀS CLAR
Ses Salines
«HAMS» (ANZUELOS)
Los anzuelos son como las personas, si no sabes como cogerlos te pueden hacer daño – mucho daño – hasta el punto de quitarte la vida, en cambio, si sabes como usarlos te pueden dar de comer, dándote la vida, e incluso acompañarla para siempre.
Nuevos, viejos, pequeños, grandes, oxidados, puntiagudos, rotos, finos, gruesos, parecidos, idénticos, hundidos, ensartados, … Al final vivimos envueltos de anzuelos de todo tipo. Las fotografías que veréis expuestas son una compilación de una exposición titulada «ANZUELOS».
A través de estas imágenes de intenta buscar el símil de la visión de cada uno de nosotros que podamos tener. El que ven nuestros ojos y lo que percibe nuestro cerebro y alma de toda la gente que pasa, cerca o lejos, más o menos tiempo, a lo largo de nuestras vidas. El material utilizado para producir estas imágenes son utensilios de pesca con mucha solera, unos anzuelos muy antiguos de un pescador de pesca tradicional de este mismo puerto, por una parte, y un trozo de barca de madera centenaria con mucha historia vivida en estas aguas del sur, por otra parte.
Esto hace que las imágenes transmitan estos aires mediterráneos y tengan este trasfondo tan especial, que da aún más sentido al significado de las fotografías. Vive, interpreta y entiende los ANZUELOS a tu manera, déjate llevar por la corriente…