• agosto 2, 2016

    JOSÉ LUIS SERZO

    JOSÉ LUIS SERZO
    Albacete

    José Luís Serzo (Albacete 1977) es un artista multidisciplinar destacado por sus grandes exposiciones-relato. Post Show, El fantástico vuelo del hombre cometa, Thewelcome, Los sueños de I Ming o Los Señores del Bosque son algunas de sus series, en las que a través de pintura, dibujo, fotografía, objetos, instalación, vídeo y la literatura como hilo conductor, cuenta historias un tanto oníricas y con una trascendencia optimista. Serzo trabaja a favor de un nuevo paradigma donde la belleza, la armonía y la consciencia tengan su advenimiento.

    Su obra ha podido verse en exposiciones de Museos y centros de arte como: Museo ABC de Madrid, DOMUS ARTIUM DA2 de Salamanca, MACUF (A Coruña), Centro de Arte Contemporaneo La Conservera (Murcia), Kunstbunker Tumulka de Munich, Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid), CEART Fuenlabrada), Centro de Cultura Contemporánea Las Cigarreras (Alicante), Freires Museum de Berlin, Museo de Albacete, Centro de Arte SangSang Madang (Seúl), Instituto Cervantes de Chicago, Museo de Adra (Almería), Fundación Botín (Santander), Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián, MATADERO Madrid, Kursaal Kutxaespacio del arte (San Sebastián), etc.. Su trabajo es o ha sido representado por galerías como: Siboney (Santander), Kir Royal Gallery (Valencia), Galería Artizar (Tenerife), PAPER Gallery (Manchester) Blanca Soto Arte (Madrid), Marena Rooms Gallery (Turín), Moproo Gallery (Shanghai), MCO (oporto) o Ferran Cano (Palma de Mallorca, Barcelona). Su obra ha podido verse en ferias como ARCO, JUSTMAD, Art Cologne , SWAB, Art Beijing, Art Madrid, Estampa, DIVA Art fair (NY), ArteLisboa, ArteBa (Buenos Aires), Artesantander, ArtFrankfurt, ArteSalamanca, Art Los Ángeles, SCOPEMIAMI, etc.. Su obra se encuentra representada en multitud de colecciones privadas nacionales e internacionales, así como en las siguientes colecciones públicas: Caja Castilla la Mancha-Museo de Valdepeñas. Fundación Valparaíso. Fundación Fernando Ma Centenera Jaraba, MEFIC (Museo de escultura Figurativa Internacional Contemporánea), Facultad de BB AA de la UCM. Museo Municipal de Albacete. Fundación Provincial de Cultura de la Diputación de Cádiz. Museo de Adra. Museo de Arte Contemporáneo de Genalguacil (Málaga),Teatro Circo lbacete. Faena Hotel and Universe (Buenos Aires). Hotel Porto Mare (Funchal-Madeira), Colección Norte de Arte Contemporáneo, Gobierno de Cantabria, etc.

     

     

  • julio 6, 2016

    CECILIA SEGURA

    CECILIA SEGURA
    Alicante 1974

    Cecilia Segura, mallorquina nacida en Alicante en 1974, es licenciada en Historia del arte, técnico superior en Edición de arte y ha realizado el curso de estudios avanzados en la Universitat de Barcelona, dentro del programa de doctorado ‘Comunicación Arte Educación’. Ha sido becada en varias ocasiones para realizar estudios en el extranjero, asistiendo al Central Saint Martins College of Art de Londres. Ha realizado proyectos de intervención específica en diferentes espacios como Vibratio en la Zona Zero del Casal Solleric de Palma, El nido de Aracne en la sala de exposiciones de Picanya, Andrómeda en el Espacio Tangente de Burgos y Mundo-Loca en el Espai de vidre de Palma.

    En las instalaciones de Cecilia Segura el espacio se ve transformado en un escenario de ideas, de conceptos, de narrativas en las que el espectador participa activamente, deambulando alrededor o a través de los elementos propuestos, construyendo su propia lectura a partir de las claves que ofrece la artista. Sus obras se inspiran directamente en el paisaje contemporáneo, en la estética de las grandes áreas urbanas y en los medios de comunicación, donde predominan las formas vertiginosas, los colores vibrantes y la presencia constante de luz.

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    SPACE INVADERS

    Space Invaders fue inventado y programado por Toshihiro Nishikado en 1978. Considerado como uno de los videojuegos más importantes de la historia fue el precursor de los videojuegos modernos. De igual forma, la película de Disney de 1937 marcó una nueva etapa en el terreno de la animación, en cuanto a innovaciones técnicas y artísticas. Hoy en día la película Blancanieves también es considerada por muchos una obra maestra del cine.

    De la unión de estos dos fenómenos audiovisuales surge Snowy Invaders, un proyecto creativo que aúna a partes iguales cuentos de hadas, píxeles y buenas dosis de surrealismo. El proyecto pretende conseguir la transformación del cuento original en un fenómeno tecnológico de estética más actualizada, a partir de su fusión con el famoso videojuego de marcianitos de los años 80. Como resultado, una propuesta interactiva que le da un giro divertido a la historia, superando así el carácter folclórico, machista y moralista que tiene el relato, para conferirle un toque más geek.

    Ficha técnica

    Año de producción 2013

    Máquina arcade:
    Contrachapado de haya, césped artificial, equipo informático y videojuego. Construida y ensamblada a mano.
    Medidas sin el césped: 50 x 75 x 177 cm

    Tapices:
    Lana merino y acrílica bordada a mano, a medio punto sobre cañamazo.
    Medidas enmarcados: 112,5 x 86,5 x 7,5 cm.

    Link al videojuego

    Para probar Snowy Invaders en tu ordenador accede al siguiente link y haz primero un click con el cursor sobre el centro de la pantalla para activar el programa, luego pulsa barra de espacio para iniciar la partida.

    http://www.ceciliasegura.es/snowyinvaders/

    Para jugar, usa la barra de espacio para el disparo y las flechas izquierda derecha para mover a Blancanieves.

  • julio 6, 2016

    DAVID SEGARRA

    DAVID SEGARRA

    «¿Cuál es la verdadera naturaleza de las fronteras?
    ¿Son algo más que un instrumento de control en un mundo globalizado?
    ¿Puede el miedo traspasar las fronteras?
    ¿Pueden las fronteras contener lo que sentimos?»

     

  • julio 6, 2016

    OMAR CASTAÑEDA

    OMAR CASTAÑEDA
    Colombia

    FOOD OF WAR 

    www.foodofwar.org 

    Food of War (Comida de Guerra) es un colectivo multidisciplinario de artistas fundado por dos creativos Colombianos, Hernán Barros y Omar Castañeda. El Colectivo está radicado en Londres y se dedica a explorar la relación entre la comida y la guerra a través del arte. Simone Mattar, Zinaida Lihacheva, Quintina Valero y Carlina Muñoz han participado activamente de varias propuestas del colectivo.

    Es una iniciativa sin fines de lucro, cuyos objetivos incluyen la producción de obras de arte y eventos con el fin de generar conciencia sobre el impacto de los conflictos armados alrededor del mundo, promover a los artistas que desarrollan su trabajo en torno a este tema, y fomentar el uso de alimentos como parte de la experiencia del espectador.

    Desde que nacimos, alguien mas tiene el poder de decidir que comemos. Lo que ingerimos es impuesto por otra persona y rendimos todas nuestras decisiones a nuestros proveedores de alimento hasta que decidimos emanciparnos. En esta aparente libertad, nos rendimos a lo que nos rodea, a la ciudad, al país, a los grupos que elegimos pertenecer. Dentro de tales grupos hay normas de etiqueta referentes al ritual de comer. Como lo hacemos, cuando, que usamos para ello, donde, con quien y el porque, todo cambia de acuerdo a los tiempos en que vivimos.

    Huelgas de hambre, desordenes alimenticios, hambrunas, todo esto esta ligado a luchas de poder entre el individuo y la sociedad. Los conflictos armados son el escenario extremo donde esas luchas se desarrollan en si y el comer esta en el centro de todo ello. Una guerra cambia la forma en la que comemos no solo por el racionamiento alimentario y/o por la amenaza psicológica de hambruna.

    Comida y Guerra van de la mano, presentes en nuestra vida diaria y están en todas partes:

    Las comida enlatada fue desarrollada por Napoleón para alimentar a sus tropas en las invasiones y luego perfeccionada por el Imperio Británico, los Noruegos se convirtieron en Pescatarianos a la fuerza cuando los Nazis ocuparon su país por un lustro y tomaron todo el ganado y producción avícola, y actualmente, Vladimir Putin tiene actualmente una lista de alimentos que el considera anti-Rusos.

    Si somos lo que comemos, entonces todos somos Comida de Guerra.

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    HUMUS – LA TIERRA PROMETIDA

    El origen de Humus no es del todo seguro, pero se supone que vienen de algún lugar en la región árabe. Israel, como nación, lo tiene como su plato nacional, que al parecer ofende a muchos árabes. Para los Israelíes, es más un plato principal. Al contrario, en el Líbano es una guarnición o un aperitivo. Las diferencias también están acerca de la cantidad de tahini, la inclusión de algunos de los ingredientes y la hora de ingerirlo.

    Los Israelíes hicieron para el Record Guinness, el humus mas grande que se haya servido pero un año después, en 2010, los libaneses tomaron de nuevo el record al servir un humus de más del doble en tamaño, que era superior a 10 toneladas. Israel ha logrado comercializar el humus en el extranjero muy bien, especialmente en el mercado de Estados Unidos, mientras que los libaneses están tratando de otorgar al humus un estado de denominación de origen protegida.

    Los ganadores escriben la historia y los que sucumben en la batalla serán despojados de su legado. Es allí, donde se establece la importancia del humus como trofeo. El Humus es una tradición popular que cubre un territorio muy grande y al ser reconocido como suyo desde un bando, el otro lado se arrodillará a los «legítimos propietarios» cada vez que lo deguste.

  • julio 6, 2016

    SPIDERTAG

    SPIDERTAG
    Sevilla

    Spidertag es un artista urbano que comenzó sus andaduras en la calles en la primavera de 2008. Con elementos muy simples como clavos, martillo, pintura y lana, ha desarrollado una sólida carrera de prestigio y reconocimiento internacional con sus geometrías, abstracciones y minimalismo.

    Sus viajes por el mundo y sus encuentros con distintos artistas urbanos, lo ha reflejado también a través de sus documentales, en los que plasma sus aventuras por el universo y el encuentro con esos lugares abandonados, pueblos perdidos y grandes urbes, para plasmar su personal obra.

    En 2016, como todo superhéroe, fruto de una casualidad, ha encontrado una nueva fórmula para dar un paso más hacia adelante. La lana ha sido reemplazada por un hilo de luz, el neón. El futuro ha llegado y Spidertag, está listo para crearlo.

    En las instalaciones de Cecilia Segura el espacio se ve transformado en un escenario de ideas, de conceptos, de narrativas en las que el espectador participa activamente, deambulando alrededor o a través de los elementos propuestos, construyendo su propia lectura a partir de las claves que ofrece la artista. Sus obras se inspiran directamente en el paisaje contemporáneo, en la estética de las grandes áreas urbanas y en los medios de comunicación, donde predominan las formas vertiginosas, los colores vibrantes y la presencia constante de luz.

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    Blog: spidertag.wordpress.com

     

     

    http://www.ceciliasegura.es/snowyinvaders/

  • julio 6, 2016

    FRANCESC BONET

    FRANCESC BONET
    Ses Salines 1962

    Dins la seva trajectòria artística ha indagat en diferents camps com el còmic, la pintura, l’escultura o l’obra gràfica. En aquests moments, la ceràmica és el mitjà a partir del qual ha tornat a aprofundir amb temàtiques tractades ja abans.

    Fent instal·lacions, sol ajudar-se d’elements naturals com el foc, l’aigua o la força de la gravetat com a mitjans d’expressió. Minuciosament, contempla el seu entorn i, llavors, el porta al seu propi llenguatge.

    Busca temes inèdits i mitjançant diferents vessants plàstiques i receptes pròpies aprofundeix fins a presentar-ho a una mostra.

    Ha participat en diferents projectes artístics presentant la seva obra, tant en exposicions col·lectives com individuals.

    «Enxarxats» és la instal·lació que presenta a Artnit Campos 2016.

    És la representació del cordó umbilical de la vida i la mort; un lligament de la mar amb la terra, un recorregut d’un calamar en el seu medi natural cap a l’esclavitud de la terra.

  • julio 5, 2016

    LLUIS MASIA

    LLUIS MASIA
    València

    El trabajo de Lluis Masiá Perales trata de reflexionar sobre la estrecha línea que existe entre el dolor y el placer, y como a través de esta experimentación se puede alcanzar un estado de catarsis místico-sexual.

    Como punto de partida utiliza el cuerpo y como espacio en el que desarrollar y experimentar las prácticas sexuales.

    El dolor es el estímulo preciso e insoportable, siendo la prueba tangible y sensible de la búsqueda del placer en todos sus extremos y en todos los ámbitos.

    Sus creaciones nos muestran diferentes visiones plásticas relacionadas con la experimentación corporal y sensorial. Unas obras nos descubren como a través de diferentes orificios se puede disfrutar de la energía del éxtasis; yendo más allá de experiencia sexual pura y dura, hallamos, incluso en el resto inerte, en el residuo más abyecto, una energía que nos libera.

  • julio 5, 2016

    GLORIA REGAL

    GLORIA REGAL

    Yo, plural.

    En el mundo hay más de siete mil millones de personas. Multitud de individuos que se expresan de forma independiente. Tú y yo. Los otros y nosotros. Hemos olvidado que no existe “el otro” porque  todos somos una misma cosa que se manifiesta desde diferentes realidades. Con este proyecto reflexiono sobre el concepto de dualidad en el que vivimos frente a la realidad: todos formamos un mismo ser, libre y sin las limitaciones de la separación del tú y el yo.

     

    gloriaregal.tumblr.com

  • julio 5, 2016

    AITOR GONZÁLEZ

    AITOR GONZÁLEZ
    Valencia

    La obra de Aitor Gonzalez (Valencia 1994) parte de objetos o materiales manufacturados y fácilmente reconocibles. En sus piezas, el artista juega a deconstruir su significado en un intento desesperado de comprender su condición como productor cultural. Mediante un acto puramente egoísta, el artista realiza un movimiento performativo de transformación del objeto.

    Las piezas, al insertarse en el contexto de una exposición, tienen la oportunidad de abstraerse del ciclo producción- consumo que los creó para situarse en un punto intermedio entre la mercancía y la producción cultural, un “no man’s land” entre la precariedad del supermercado y la estabilidad del museo, entre su materialidad perecedera y la inmutabilidad que reviste su recién otorgada condición de signo cultural. En este sentido, la obra de Aitor sitúa al visitante en la incomodidad de la superficie. El espectador solo puede conocer el sedimento cultural que han dejado los objetos, la tensión entre las obras y la sala de exposiciones desgarra el sentido, que pasa a ser una brecha abierta a lecturas e interpretaciones, completar el hueco es dialogar con la obra.

    Para el artista, el espacio expositivo se plantea como el lugar donde se da el tránsito de un polo a otro de la dualidad: de la vida al arte, de lo material a lo informe, del objeto al concepto. El artista se interroga sobre su rol (ideo)lógico con respecto a las dicotomías, que bascula entre la tentación de perpetuarlas y el deber de subvertirlas.

    Aitor Gonzalez vive y trabaja en Valencia. Realiza sus estudios en la Facultad de Bellas Artes San Carlos de Valencia y en la Leeds University de Leeds (Reino Unido). Su obra ha podido verse en exposiciones como On To The Next en el espacio Royal Standard de Liverpool (2016), Sell Out en la galería Set The Controls For The Heart Of The Sun deLeeds(2016), Institution/Outstitution en la Galería The International 3 de Manchester (2015), Twice as nice #1 en EnjoySpace de Leeds (2015), How We Quit The Forest en la sala Lametro de Valencia (2015) o Migraciones en el espacioCincuenta y Pico de Madrid (2016) .

    www.aitorgonzalez.es

  • julio 5, 2016

    EL REY DE LA RUINA

    EL REY DE LA RUINA

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